- Koji je nastanak i povijest kazališta?
- Grčko podrijetlo kazališta
- Podrijetlo nezapadnog kazališta
- Liturgijska drama i srednjovjekovno kazalište
- Procvat japanskog kazališta
- Renesansno kazalište i commedia dell'arte
- Ulaz u modernost
- 20. stoljeće i suvremenost
Objašnjavamo nastanak i povijest kazališta u različitim dijelovima svijeta, od antičkih vremena do danas.
Koji je nastanak i povijest kazališta?
The kazalište, umjetnički žanr u kojem se književnost (dramaturgija) i izvedbena umjetnost (kazališna predstava), jedan je od najstarijih oblika umjetničkog izražavanja u povijesti. čovječanstvo.
Iako njegovo podrijetlo obično seže do Antika klasika Zapada, istina je da su gotovo svi drevne kulture imali su neki oblik kazališta ili vrlo sličan spektakl, s kojim su obrazovali svoju mladež, molili se bogovi ili se sjetio njihovih mitovi temeljni.
No, prvi koji su kazalište shvatili kao umjetnost za sebe, odnosno kao "dramsku umjetnost", bili su stari Grci od 6. do 4. stoljeća pr. c.
Stari Grci slavili su određene rituali religijski u čast Dioniza, boga vina i plodnosti, poznat kao bakanalija. U ovim obredi the ples i stanja transa bila su normalna, ali i određena narativnost i inscenacija temeljnih mitova, a potonje je ono što je iznjedrilo kazalište.
Grčko podrijetlo kazališta
Nastao je u 6. st. pr. C. zahvaljujući Dionizovom svećeniku, zvanom Thespis, koji je uveo važnu preinaku u rituale: dijalog koje je sa zborom održavao prilikom svake smotre.
Tako je Thespis postao prvi kazališni glumac. Zapravo, prema kronikama iz III stoljeća a. C. Sam Thespis je pobijedio na prvom kazališnom natjecanju u Grčkoj, održanom u Ateni 534. pr. c.
Od tada su kazališna natjecanja postala vrlo česta na svetkovinama u čast Dioniza, koje su trajale puna četiri dana i koristile su pregrađene drvene konstrukcije za orkestar, publiku i pozornicu oko kipa Dioniza.
Kroz 5. i 4. stoljeće pr. C. grčko je kazalište procvalo i osamostalilo se od štovati religijski. Međutim, nastavio je biti mehanizam grčkog društva da obrazuje svoje mlade ljude u religija, the mitologija i klasične građanske vrijednosti.
U to su vrijeme nastala tri velika grčka dramatičara: Eshil (525.-456. pr. Kr.), Sofoklo (496.-406. pr. Kr.) i Euripid (484.-406. pr. Kr.), autori opsežnog skupa tragičnih drama koje su se bavile velikim grčkim mitovima. Uz njih su se razmnožili veliki grčki komediografi poput Aristofana (444.-385. pr. Kr.).
Kazalište je bilo toliko važno u grčkoj kulturi da je filozof Aristotel (384.-322. pr. Kr.) bio inspiriran njima da napiše prvu raspravu o dramskoj umjetnosti u povijesti čovječanstva: Poetika od 335. pr c.
Isto tako, ono je bilo toliko važno za onodobno Sredozemlje, da ga je rimska kultura uzela kao uzor i nadahnuće za razvoj vlastitog kazališta između 2. i 3. stoljeća pr. C. Tako su se pojavili autori takvog glasa poput Plauta (254.-184. pr. Kr.) i Terencija (185.-159. pr. Kr.), čiji igra bile su dio mnogo većeg događaja u rimskoj kulturi: Rimskih igara u čast bogova.
Rimljani su također uključili grčko dramaturško naslijeđe u svoju kulturu, sačuvavši ga na latinskom za mnogo kasnije čitatelje.
Podrijetlo nezapadnog kazališta
Postojale su, također, u davnim vremenima, bogate kazališne tradicije na istoku svijeta, posebno u drevnoj kulturi Indije. Indijsko kazalište izraslo je iz vjerskih i obrednih plesova.
Ovo je kazalište dobilo formalnu studiju oko 4. i 2. stoljeća pr.C., sudeći po onome što je Natia-šastra, drevna hinduistička rasprava o plesu, pjesmi i drami, pripisana muzikologu Bharata Muni (datumi nisu sigurni). Ovo djelo posebno proučava indijsko klasično kazalište, vrhunac sanskrtske književnosti.
U ovoj vrsti drama kao heroj pojavile su se vrlo stereotipne figure (nayaka), junakinja (nayika) ili klaun (vidusaka), usred mitoloških i religijskih priča o podrijetlu bogova. Predstava se više od svega sastojala od plesa i dijaloga glumaca, dotjeranih i našminkanih, ali bez pozornice i dekoracije.
Indijsko kazalište dugo se prakticiralo gotovo bez prekida ili promjena, dosegnuvši svoj vrhunac između 3. i 5. stoljeća nove ere. Dva velika dramatičara ove tradicije bili su Sudraka (3. stoljeće nove ere) i Kalidasa (4.-5. stoljeće nove ere), potonji autor velikih ljubavnih drama.
Druga važna nezapadna tradicija, kinesko kazalište, nastalo je oko 6. stoljeća pr. C. Sastavljen je uglavnom od plesova, akrobacija, mimika i obrednih radnji bez definiranog žanra.
Glumci, svi muškarci, mogli su igrati različite tipove stereotipnih uloga, bilo muških (sheng), ženski (tako), stripovi (chou) ili ratnici (ching). U mnogim slučajevima korištene su maske i šminka.
Kineska tradicija nadahnula je slične verzije u Japanu i drugim zemljama jugoistočne Azije, koje su procvjetale u kasnijim stoljećima, a na Zapadu nisu bile poznate sve do gotovo devetnaestog stoljeća.
Liturgijska drama i srednjovjekovno kazalište
Nakon pada od Rimsko Carstvo, kazalište na Zapadu izgubilo je svoju staru popularnu i vjersku važnost: to je zato što je kršćanstvo odbacio nasljedstvo poganski od Europa te je činio sve da se razlikuje i distancira od te tradicije. Međutim, do 10. stoljeća kršćanska liturgija i slavlje Uskrsa bili su središnji događaji u kršćanskoj kulturi, a izvodili su se s velikom pompom i scenografijom.
Dakle, u Srednji vijek nastalo je liturgijsko kazalište koje je reproduciralo najvažnije prizore kršćanske mitologije, poput posjeta Marije Magdalene grobu Isusa Krista. Time je rođena bogata tradicija kasnije kršćanske dramaturgije.
Otprilike u jedanaestom i dvanaestom stoljeću, mnogi francuski samostani počeli su prikazivati biblijske priče na platformi izvan hrama, također napuštajući latinski kult kako bi koristili narodne jezike, bliže ljudima. Uprizorenje Postanka ili Apokalipse ili mučnih života svetaca, poput sveta Apolonije ili svete Doroteje, bilo je uobičajeno.
Kako su te kazališne radnje postajale složenije, počele su se izlagati na splavovima ili pokretnim pozornicama, kako bi liturgiju i crkvenu priču prenijele u različite kutove zemlje. Ovo je bilo osobito popularno u Španjolskoj, a postali su poznati pod imenom Sakramentalna kola, odnosno drame euharistije.
Slični događaji su poduzeti u Engleskoj u to vrijeme, posebno tijekom tijelo Kristovo, te su postali popularni oblici kazališta, uobičajeni diljem Europe sve do 16. stoljeća.
Od tada su se pojavili njegovi glavni klevetnici: protestantski puritanci koji su osuđivali prevladavajući humor i odvažnost u njegovim prikazima, i humanisti Renesanse koji je lošim očima vidio svoje neozbiljnost i njegovu vezu s određenom srednjovjekovnom tradicijom od koje su se nastojali otrgnuti.
Zbog toga su mnoga od tih djela bila zabranjena u Parizu iu zemljama protestantske Europe, dok su cvjetala u protureformacijskoj Europi, uglavnom u Španjolskoj. veliki autori barokni Španjolci kao što su Lope de Vega (1562-1635), Tirso de Molina (1583-1648) i Calderón de la Barca (1600-1681) smatraju se najvećim autorima sakramentalnog čina.
Procvat japanskog kazališta
U međuvremenu se u Japanu u 14. stoljeću kristalizirala izvođačka kultura. Nasljednik šintoističkih plesova i budističkih rituala, kako vlastitih, tako i preslikanih iz Kine i drugih azijskih naroda, japansko kazalište učinilo je svoje najvažnije korake.
Od tada su tri velike tendencije učinile prve korake:
- Profinjena lirska drama noh i kyogen kazališta.
- Književno kazalište lutaka Bunraku.
- Kasnije, kabuki teatar, dramski spektakl buržoazije.
Kazalište Noh nastalo je u Kyotu oko 1374., pod vodstvom šoguna Yoshimitsua, čime je započela važna tradicija kazališnog pokroviteljstva japanskih feudalaca.
Većinu djela u ovom stilu, koje su s beskrajnom gracioznošću i profinjenošću izvodili muški glumci uz pratnju malog zbora, napisali su u sljedećim desetljećima Kanami Motokiyo, njegov sin Zeami Motokiyo, a kasnije i zet potonjeg, Zenchiku. Malo je novih drama napisano za kazalište No od 15. stoljeća.
Možda je stoga prema 16. stoljeću japanska kazališna panorama predstavljala određeni pad. Tome treba pridodati i zabranu svih kazališnih predstava u kojima glume žene iz 1629. godine, nakon što je prezentacija šintoističke svećenice O-Kuni uzburkala javnost u Kyotu.
Zato se početkom 17. stoljeća pojavilo novo japansko kazalište koje je popunilo prazninu, odražavajući nove buržoaske osjećaje toga vremena: Kabuki, uspješno kavansko kazalište, koje je koristilo raskošne postavke i složene kostime, čija su djela došao iz književne tradicije i lutkarskog kazališta.
Renesansno kazalište i commedia dell'arte
Kao i u mnogim drugim umjetnost i znanje, renesanse Europljanin je obilježio prije i poslije u kazalištu i dramaturgiji. Radovi su postali prirodniji, lišeni vjerske obveze i spašavaju Aristotelovu teorijsku ostavštinu, kao i antičke mitove i klasične simbole.
Trijumf od buržoazija kako je nova dominantna društvena klasa odredila promjenu kazališnih senzibiliteta te je ubrzo došlo do rađanja novih žanrova i novih stilova, poput španjolskog baroknog kazališta i engleskog elizabetanskog kazališta, u čijoj su se tradiciji pojavila velika imena poput Miguela de Cervantesa i Williama Shakespearea.
Ipak, najvažniji od novih oblika kazališta bila je talijanska Commedia dell'Arte, koja se pojavila oko 1545. kao oblik uličnog i pučkog kazališta, ali u izvedbi profesionalnih glumaca. Mnoge su kazališne skupine bile putujuće, selile su se od grada do grada i postavljale improvizirane pozornice.
Ondje su predstavljali komade komedija fizičke, kazališne improvizacije i vlastite komade čiji likovi bili su lako i brzo prepoznatljivi, jer su uvijek nosili iste maske. Na primjer, hlače bio je pompozan i zlovoljan starac s kojim su se zbijale šale i šale, dok Harlecchino bio šaljiv i odvažan sluga, i Pulcinelli bio je trbušasti, grbavi stručnjak za batine.
Od tada su novi oblici kazališnog spektakla počeli postajati popularni u Europi koja je sve više cijenila dramaturgiju. The tragikomedija postao popularan žanr, neka vrsta posredne karike između komedije i tragedija. U 17. stoljeću pojavila se i opera, a Europom se proširio takozvani “talijanski stil” kazališta.
U tom istom kontekstu, francusko je kazalište doživjelo značajan procvat, zahvaljujući glasovitim dramatičarima kao što su Pierre Corneille (1606-1684) i Jean Racine (1639-1699), veliki pisci tragedija, a posebno Jean-Baptiste Poquelin, bolji poznat kao Molière (1622.-1673.), glumac i autor komedija, farsi, tragikomedija i nekih od najslavnijih djela na francuskom jeziku.
Ulaz u modernost
Sljedeća velika promjena u zapadnoj kazališnoj tradiciji došla je s Romantizam Nijemac, pogotovo Sturm und Drang u drugoj polovici osamnaestog stoljeća.
Kao i u ostatku umjetnosti, kazališni romantizam naglašavao je sentimentalnost i dramu protiv racionalizma koji se pojavio s Ilustracija Francuski. Preferirao je mračne, misteriozne teme, osobito one iz popularne kulture i folklora.
Nasljeđe koje su ostavili pisci poput Wolfganga von Goethea (1749.-1832.) i Friedricha Schillera (1759.-1805.), s velikim dramskim djelima poput Fausta ili Williama Tella početkom 19. stoljeća, bilo je nadahnuće za rođenje novi žanr: melodrama, koja uključuje glazbu kako bi naglasila emocije likova.
Iz ruke nacionalizam Europski, ovaj novi stil zahvatio je gotovo sve zemlje i proizveo renomirana djela i autore kao što su Georg Büchner, Victor Hugo, José Zorrilla i mnogi drugi.
Međutim, temelj modernog kazališta, pravo govoreći, dogodio se duboko u 19. stoljeću, utemeljenjem realističkog kazališta, trijumfom racionalizma nad romantikom. Realizam je naglašavao potrebu za naturalističkim kazalištem: scenografije slične stvarnim, uvjerljive izvedbe i lišene grandioznih dikcija ili gesta.
Očekivano, realizam je rođen u Francuskoj, kolijevci prosvjetiteljstva.No, svoj izražajni vrhunac dosegnula je u peru nordijskih autora poput Šveđanina Augusta Strindberga (1849.-1912.) i Norvežanina Henrika Ibsena (1828.-1906.), pa čak i kod također istaknutog ruskog pripovjedača Antona Čehova (1860. 1904).
20. stoljeće i suvremenost
Dolazak turbulentnog 20. stoljeća sa sobom je donio i avangarde, neprestani izvor inovacija formalne i estetske koja je iznjedrila mnoge kazališne škole u Europi i Americi.
Općenito, avangarda je tražila veći intenzitet i psihološku dubinu u svojim likovima, napuštajući tri klasične aristotelovske jedinice i često prihvaćajući denunciranje i političku militantnost. Osim toga, zahvaljujući njima, uloga kazališnog redatelja dobila je na značaju nad glumcima; uloga usporediva s filmskim redateljem.
Avangardni kazališni pokreti su previše brojni da bi se mogli nabrojati u cijelosti, ali vrijedi istaknuti ekspresionizam, "epsko kazalište" Bertoldta Brechta, kazalište apsurda povezano s filozofijom egzistencijalizam te djela Antonina Artauda, Eugènea Ionesca i Samuela Becketta.
Osim toga, nekonformizam i antiburžoasko raspoloženje Ljutiti mladići: Harold Pinter, John Osbourne i Arnold Wesker. Ostala velika imena tog vremena su Luigi Pirandello, Alfred Jarry, Arthur Miller, Federico García Lorca, Ramón de Valle Inclán, između ostalih.
Od 1960. godine suvremeno se kazalište pokušava ponovno povezati s emocijama gledatelja, odmičući se od epskog kazališta i političkih poruka. Brojni su kazališni aspekti koji se nastoje odvojiti od pozornice i izvesti kazalište na ulicu, ili uključiti publiku na pozornicu, ili čak pribjeći događa se ili kazalište improvizirane situacije u stvarnom životu.